L’Art et l’Artisan avec un grand A

Enfantendormi_1CONSTANTIN BRANCUSI (1876-1957)
Né à Hobitza Roumanie – Décédé à Paris
«Crée comme Dieu, ordonne comme un roi, travaille comme un esclave.»
Rodin sculpte et modèle dans la terre avant de confier à des ouvriers le soin de reproduire l’oeuvre originale, à l’échelle requise, en pierre, marbre, bois ou encore en bronze. Brancusi qui a briévement travaillé chez Rodin jusqu’en 1907, décide de supprimer ces intermédiaires (il fut d’abord charpentier et tailleur de pierre) et s’attaque, lui-même, directement au matériau dont la nature, estime-t-il, a le pouvoir partiel de déterminer l’oeuvre. Pour Brancusi,  » la taille directe dans le matériau choisi est la vraie voie d’accès à la sculpture, mais c’est aussi la pire pour qui ne connaît pas le chemin ».
PS:La reconstitution de l’atelier de Brancusi à Beaubourg vaut la visite, il n’y manque que la poussière

M le Modi

ModiglianiModigliani a aussi été sculpteur, Son maître à penser d’alors était Brancusi. On retrouve donc dans ses statues des similitudes avec les sculptures de Brancusi inspirées de l’art primitif des Cyclades (visages étroits et allongés).
Puis en 1914 Modigliani étant tuberculeux arrête la sculpture, et se consacre à la peinture, Ce tableau (Nu couché aux cheveux dénoués -1917)
exposé en 1917 fait scandale, et l’exposition est fermée le jour du vernissage. Il est mort jeune, usé par l’absinthe l’alcool et la tuberculose, sa compagne Jeanne Hébuterne
qui avait 14 ans de moins que lui s’est tué deux jours après, elle avait 22 ans et était enceinte.
Pour tout dire je ne suis pas enthousiasmé par ses sculptures, et j’aime beaucoup ses tableaux. Question (horrible): Si Modigliani n’avait pas été tuberculeux, aurions nous autant aimé ses oeuvres?

Le Pop Art redevient Populaire

War_venusAndy Warhol Peintre pop-art (1928-1987)déclarait qu’il voulait être une machine, que quelqu’un devrait être capable d’exécuter ses toiles à sa place.Comme j’ai l’impression que ses ayants droits ne tiennent pas à voir reproduire ses oeuvres sans se faire payer, j’ai choisi de ne pas accompagner cette rubrique d’un tableau d’Andy, et j’ai fait comme il a dit.
« Everything is beautiful. Pop is everything. » Andy Warhol

Du gai Klein ;Des Klein Gais

Kleinyves_3Sujet de culture générale proposé en 2001 au concours d’entrée à l’école supérieure des beaux-arts de Toulouse :
Lorsque Yves Klein en 1960 exécute ses « anthropométries », il invite un certain nombre de personnes à assister à ses séances au cours desquelles il disait « qu’il peignait avec des pinceaux vivants ». Qu’est-ce qui, selon vous, dans ce type d’approche de la création, témoigne de l’évolution de l’attitude des artistes et du public vis-à-vis de l’art ?
Une citation de Klein en guise de réponse(inventeur des performances en public):
« Le tableau n’est que le témoin, la plaque sensible qui a vu ce qui s’est passé. La couleur à l’état chimique, que tous les peintres emploient, est le meilleur médium capable d’être impressionné par l’événement ».

La perfection quasi absolue

DanaideDanaos, est père de cinquante filles, alors que son frère jumeau Égyptos a cinquante fils. Pour régler un différend qui les oppose, Égyptos propose à son frère de marier leurs enfants : ses cinquante fils épouseront les cinquante filles de Danaos. Mais Danaos donne secrètement à chacune de ses filles une aiguille dissimulée dans leurs chevelures, destinée à tuer son mari au cours de la nuit de noces. Toutes obéissent à l’ordre de Danaos, sauf une,qui épargne son mari; celui-ci tue alors Danaos pour venger ses frères. les quarante-neuf Danaïdes, sont punies par les dieux et condamnées à remplir éternellement dans les Enfers un tonneau dépourvu de fond. C’est Jean Escoula qui a taillé le marbre en 1890, et c’est Camille Claudel qui a posé offrant la perfection de son dos à cette Danaïde. Son frère Paul l’a fait interner le 10 mars 1913 (ce n’est pas ce qu’il a fait de mieux dans sa vie), elle mourra 30 ans plus tard, le 19 octobre 1943. J’oubliais, la statue est de RODIN.

Le rouge et le noir (surtout le Noir)

Toute vraie passion ne songe qu’à elle.
stendhal (Le rouge et le Noir)

Ces deux tableaux ont plusieurs points communs:
– Ils sont à dominante rouge et Noir
– Ce sont les dernière oeuvres des deux artistes avant leur suicide
– Ils sont de grande dimension
L’un est de Nicolas de Stael
L’autre est de Rothko
N_de_stael_le_grand_concert
Petiteuntitled_rothko
Si le rouge est la couleur de la passion.
Si le noir est la couleur des ténèbres.
Alors vous qui peignez, quelle sera la toile qui vous desespérera au point de mettre fin à vos jours.

La Défense de Calder Miro et les autes

Calder StabileComme souvent, ce matin je suis sorti du RER à la Défense et j’ai emprunté la sortie Miro Calder. Je trouvais le rapprochement bizarre. Eh bien non pas du tout, ils ont eu effectivement des relations amicales : ils se sont rencontrés en dès 1935 on les voit ensemble dans des expositions collectives, en 1937 ils sont associés dans le pavillon espagnol de l’exposition universelle de Paris. Ils avaient presque le même age : Alexander Calder (1898 – 1976 ) et Joan Miro (1893 – 1983).
Nous tous qui courrons comme des malades sur l’esplanade, prenons juste un peu de temps entre midi et deux par exemple,pour découvrir les sculptures qui s’y trouvent :J’ai trouvé un site sympa qui donne la liste des sculptures à la Défense. Je n’ai rien trouvé de tel sur le site officiel de l’EPAD, il y a quand même de très belles photos de Rémy Guillaumot .

Le sculpteur (presque) oublié

Ours_pomponFrançois Pompon est né à Saulieu en 1855 (Rodin avait alors 15 ans), comme il était un excellent praticien, Pompon a travaillé pour Rodin, il est même devenu son chef d’atelier en 1893, ce ne devait pas être facile de s’épanouir à côté de lui, vers 1906 il reprend son indépendance et se consacre à la peinture d’animaux, le plus connu étant l’ours dont l’original est à Dijon. Moi je penche plutôt pour la thèse que n’ayant pas les moyens de Rodin, il ne pouvait pas payer les modèles féminins qui se baladaient entièrement nues dans l’atelier de Rodin, sous prétexte qu’il y trouvait l’inspiration nécessaire. Pompon a eu l’art d’épurer les formes pour se concentrer sur le mouvement; Hélas les animaux branchent moins le public que les sculptures d’hommes ou de femmes, et il est en train de doucement tomber dans l’oubli.

Le tableau qui m’angoisse

Galaetlangelusdemillet_1Salvador Dali est né en 1904, il était le fils de Felipa Doménech et de Salvador Dali. Il avait un frère aîné, appelé également Salvador, né en 1901 et décédé deux années plus tard; qu’il n’a donc pas connu. Les parents de Dali habillèrent Salvador avec les vêtements de son aîné, lui donnant les mêmes jouets . On raconte que l’obsession de Dali pour l’Angélus de Millet tenait au fait qu’il y voyait son père et sa mère enterrer son frère aîné (dans le sac sur la brouette). Il est tout à fait sûr que cette reproduction à l’intérieur d’un tableau reste une véritable prouesse technique et je souhaite, que cette interprétation soit fausse.

La fresque qui m’intrigue

Cene

Leonard de Vinci a peint une fresque qui se trouve à l’église Sainte-Marie-des-Grâces de Milan (1494-1497) jusque là rien de bien extraordinaire, On retrouve dans le fameux bouquin "Da vinci Code" une théorie qui a fait hurler les bigots de la planète et mon propos n’est pas de rajouter de l’eau à un quelconque moulin. J’ai quand même cru pendant plus de cinquante ans que cette fresque représentait le Christ et ses apôtres, et je pense que les personnes qui me l’on fait découvrir en étaient eux aussi persuadés. Or en regardant attentivement, c’est une évidence que la personne à la droite du Christ est une femmeCene_detail
Il a donc fallu attendre 507 ans pour qu’une personne crache le morceau "Le douzième apôtre est une femme". Je veux bien croire que la diffusion de l’information soit une science jeune, et qu’il ne devait pas y avoir foule à examiner de près cette fresque dans une église que j’imagine sombre. J’ai du mal à comprendre que l’église qui a du être commanditaire de cette fresque n’ait pas brulé vif Leonardo pour se permettre de peindre une (s)cène pareille.

PS : D’accord j’ai un peu triché

Ma statue préférée

CariatideLa Cariatide assisede Rodin n’est pas la plus connue de ses oeuvres, si vous visitez le musée Rodin vous risquez même de ne pas la voir. Seul un bronze est exposé dans le jardin, je ne connais pas de version en marbre. La version en plâtre (sur la photo que vous pouvez agrandir en cliquant dessus)se trouve dans la villa des Brillants de Meudon où Rodin habitait et qui est maintenant transformé en musée, on y trouve surtout des plâtres et des moules. J’ai toujours considéré que Rodin était plus un modeleur qu’un sculpteur, il laissait le soin à ses praticiens la taille du marbre (Il n’y a aucun jugement de valeur dans cette remarque). On peut considérer qu’il a été un beau salaud vis à vis de Camille Claudel, sans remettre en cause ses qualités de modeleur et de sculpteur.(Ici
c’est bien d’un jugement de valeur). Pour en revenir à la Cariatide, on l’imagine facilement complètement épuisée d’avoir eu à soutenir un quelconque bâtiment, et n’en pouvant plus, elle s’est assise laissant le soin au bâtiment de s’écrouler. C’est le rendu parfait de cet épuisement qui me fait apprécier à ce point cette statue, peu importe qu’elle soit en bronze ou en plâtre.

Mon tableau préféré


Venus_detail

Ce tableau de Botticelli me  parle vraiment, pas tellement par la nudité de la Vénus, quoique je n’ys sois pas insensible, mais surtout par son visage androgyne, certains spécialistes ont affirmé qu’il pouvait y avoir une part d’auto-portrait dans les visages que peignait Botticelli, je laisse à ceux qui l’ont bien connu le soin de conclure sur une possible ressemblance. J’ai retrouvé un peu cette expression des visages dans les tableaux de Modigliani, qui tout près de mourir a déclaré "le bonheur est un ange au visage grave", c’est un peu cette expression que je retrouve sur les visages d’ange de Botticelli qui portent sur eux cette gravité tranquille.
Ce tableau se trouve à la Galerie des Offices à Florence, et je pense qu’il
ne serait pas raisonnable si vous passez à Florence de ne pas prendre le temps
d’aller admirer l’original.

Brêve présentation de moi

L’auteur de ce Blog
(écrire à la troisième personne fait tout de suite
beaucoup plus sérieux, mais c’est moi qui écris ce
texte) est né à Bordeaux le 24 octobre 1946, ses
débuts dans la peinture et le dessin datent de 1999, il
aura donc fallu attendre 53 ans avant qu’il ne se décide
à se lancer.

Comme il faut bien
rattacher un peintre à une école quelconque, on peut
dire qu’il fait partie de ce que l’on appelle « les
peintres du dimanche » , tout le monde ne peut pas
décider de vivre de son art, par contre ces peintres ont
pour la plupart décidé de consacrer une partie de leurs
loisirs à peindre ( le plus souvent le Dimanche mais il
existe aussi un courant très fort des peintres du
samedi), sachant que lors que l’on peint le temps ne
compte plus ce qui ne va pas sans poser quelques
problèmes avec les autres qui ont du mal à comprendre
comment on peut passer une journée entière à peindre
toujours le même tableau (bien sûr ça peut durer
beaucoup plus longtemps) . J’ai pour ma part
(finalement je reviens à la première personne) pris
beaucoup de plaisir à peindre
l’abbaye de Ganagobie un
jour  d’été, à l’ombre d’un arbre, ou
l’église
de Talmont
sur le bord de la plage.

En fait pour débuter
je me suis inscrit à l’atelier d’art plastique du centre
Paul Baillard à Massy, cet atelier est animé par une ancienne élève des
beaux-arts, il
fonctionne le samedi toute la journée de 10h à 17h, ce qui permet de
disposer d’une période suffisamment longue pour retrouver le calme nécessaire.

Les deux premières années j’ai
commencer par dessiner au fusain et ainsi apprendre quelques rudiments
de dessin, et à faire de la peinture à l’huile et un peu
d’aquarelle, ensuite je me suis lancé dans la sculpture sur pierre,
et j’effectue quelques essais sur le marbre. Ce qui permet de dégager
dans ma carrière d’artiste ( il faut prendre ce terme au sens étymologique
c’est à dire une personne qui pratique un art, qu’il le pratique bien
ou mal ne lui enlève en rien sa qualité d’artiste) plusieurs périodes ( c’est absolument
essentiel de pouvoir découper ainsi le temps en périodes, certains
choisissent des couleurs pour nommer les périodes moi j’ai choisi des
matières)

Période Fusain
: L’artiste n’utilise que le fusain, (d’où le nom donné à la période),
le travail se veut (il ne l’est hélas pas toujours) figuratif, il
s’agit pour l’essentiel de dessiner au fusain une composition d’objets
ou une statue en plâtre, la recherche est faite sur les formes le but
ultime étant de reproduire le plus exactement possible la composition,
l’œuvre la plus représentative de cette période est sans conteste (à
moins que quelqu’un veuille contester) « La
noyée du pont neuf
« , je ne sais pas dire comment elle s’est
noyée, ni si le visage est avant ou après la noyade.

Période Fusain & Aquarelle:
Je trouvais le fusain assez pauvre en couleur, aussi une fois le
dessin terminé je me suis permis de rajouter un peu de couleur avec ce
que j’avais sous la main, l’œuvre maîtresse (même moi je suis
impressionné par le terme d’œuvre maîtresse) est sans doute « les
grandes vacances
 » dans laquelle on peut reconnaître des
chaises.

Période pastel:
(pas la couleur, la matière) dans  la recherche de la couleur, et
comme j’avais récupéré les pastels de ma fille, j’ai dessiné
directement au pastel quelques dessins, avec une grande découverte, ne
pas faire les ombres en couleur sombre mais en couleur complémentaire,
ce qui implique d’apprendre la cercle chromatique ( l’équivalent des
tables de multiplication en mathématique, ou le solfège en musique si
vous voyez ce que je veux dire), et de pouvoir faire toutes les
couleurs à partir des trois couleurs primaires, « les
bidons d’huile
 » n’en sont pas une véritable illustration
mais font quand même partie de cette période.

Période Huile:
cette période n’est pas complètement temporelle (allez vous y
retrouver) elle est en fait parallèle aux trois périodes précédentes,
on retrouve le combat de l’artiste avec les couleurs et les formes
dans cet
autoportrait
dans lequel beaucoup s’obstinent à reconnaître mon frère (j’ai
trois frères) sans vouloir citer par prudence duquel il s’agit.

Période terre:
en général on dit que c’est du modelage, il s’agit de réaliser un
modèle en terre soit issu de son imagination, soit à partir d’un
modèle vivant (un modèle vivant est le plus souvent une femme nue,
rarement un homme mais ça arrive de temps en temps, par contre il est
important de préciser que le modèle est vivant bien que je ne
connaisse que peu d’artistes qui modèlent des modèles morts), ensuite
le résultat est soit taillé dans la pierre soit fondue en bronze.

Période aquarelle et mine de crayon
: quand je pars en vacances, je ne peux pas emporter beaucoup de
matériel, et faire sécher une peinture à l’huile dans un camping-car
n’est pas vraiment pratique, aussi j’en profite pour faire des croquis
au crayon et peindre à l’aquarelle, les « roses
trèmieres
 » sont des fleurs qu’en fait je n’aime pas trop,
seuls les initiés savent pourquoi, pour les autres je vais leur
expliquer: Royan a été bombardé par les américains et quand nous
allions à la plage la ville n’était pas encore reconstruite et sur
les ruines des maisons poussaient ces fameuses roses trèmières (ou
fleurs de ruine), j’ai une version encore plus triste qui mentionne un
grand-oncle médecin que je n’ai pas connu et qui n’a pas voulu
quitter Royan et qui a reçu sa maison sur la tête.

Période Pierre de Paris
: J’ai la chance de vivre près de Paris, il était donc assez naturel
pour me lancer dans la sculpture d’utiliser ce type de pierre, de plus
elle est tendre et facile à travailler, c’est du moins ce que l’on m’a
indiqué, pour ce qui est de l’œuvre représentative de cette période
comme je n’en ai pour le moment réalisé que deux, « Little
Brother
 » et « Little
prince
« , je n’ai pas eu le courage de choisir et d’en
éliminer une, cette période se prête bien à la psychanalyse, et
certains voient dans ces deux sculptures des significations cachées,
mais c’est un autre domaine qui ne sera pas abordé içi.

Période Bronze
: (même remarque que pour pastel) On peut distinguer deux sous-périodes : sous
période Bronze-sable et sous période bronze-cire,
dans les
deux cas il s’agit de reproduire un modèle en bronze, c’est une
conjugaison de techniques assez complexes mais passionnantes, pour le
moment seule la période bronze-sable a donné un
résultat,
la période bronze-cire est en cours.

Période Carbonne
:Comme j’avais un peu de temps en attendant dans l’usine où je
travaille le bronze, j’ai récupéré dans une benne des pièces en
Carbonne que j’ai assemblées puis peintes pour éviter de m’en mettre
plein les mains chaque fois que je les touche, le
couple
est la seule oeuvre réalisée car quand j’ai voulu me
réapprovisionner ils avaient jeté le carbonne.

Période marbre : Je fais quelques
tentatives de sculptures dans le marbre, je n’ai pas encore trouvé
les bons outils, mais je cherche, je subodore que l’outil idéal
est pneumatique mais nécessite d’utiliser un compresseur, pour
l’instant j’utilise des pointes au carbure de tungstène et une
meuleuse d’angle avec un disque en diamant, la seule oeuvre visible
est la
main de ma fille
(la
même à qui j’ai emprunté les pastels).

Période future:
c’est toujours la période la plus prometteuse…..